Dança em Processo

O que ou como GAMBIARRA? (projeto em andamento)

2012-01-26T12:12:00.000-08:00

botão (sem proteção) do forno do fogão de casa - gambiarra com arame

Este é o início de um projeto. Uma proto-ideia que precisa de impulso, referências, sugestões e improvisos. Não sabe-se ainda que design este trabalho vai configurar, mas engendra-se na descoberta do conceito "gambiarra", sua aplicabilidade no Brasil, Portugal e em outros lugares do mundo (porém ainda não encontrei tradução semelhante em outra língua que não a portuguesa). O interesse maior se dá na aplicação de gambiarras que estão próximas do corpo, que o corpo necessita agir para que funcionem ou que sejam mesmo acopladas como extensões corporais.

No Brasil, o termo está ligado predominantemente à improvisação, a uma reparação que se faz num objecto quando este está com algum tipo de problema no seu funcionamento, desde casos que necessitam de um pequeno ajuste, até quando estão a beira do colapso, mas ainda há como salvá-lo em lugar de descartá-lo. Em Portugal, a “gambiarra” é em primeiro lugar uma extensão de luz, um tipo lanterna, mas é possível que se compreenda o termo tal qual se utiliza no Brasil. Contudo, objectiva-se investigar a partir da técnica de improvisação soluções precárias, toscas a serem organizadas pelo corpo.

Por Carolina De Nadai

Para Chico Buarque de Holanda

2012-01-25T05:52:00.000-08:00

materialização tosca de uma ideia matinal:

Peitinhos de Pitomba

Sobre 11 abraços curtos e 1 sorriso longo

2012-01-25T05:06:00.000-08:00

Por Carolina De Nadai

In

2011-12-02T07:18:00.000-08:00

Performance de Valentina Parravicini

É por uma cavidade, uma fresta na parede, um pequeno cubo com altura menor que o corpo da performer em pé, largura compatível aos seus quadris e profundidade estreita vazada pelos dois lados da parede, que Valentina Parravicini se move em uma gradação lenta e minuciosa, seleccionando imagens corporais ao “espectador”. Em frames de embaralhar os olhos, mistura texturas e pausa na estranheza de um corpo sem hierarquia organizativa, que aos poucos constrói meios de ser corpo in-cubo. In é dentro, In é fora, In é trânsito. É todo ele corpo-membros, e não, corpo E membros, tiradas as mínimas vezes que estes se perdem ao se estenderem excessivamente para fora do cubo, pois a dilatação dentro da restrição espaço-temporal é a maior dilatação que se pode haver. Entretanto quando um pé-mão ou uma perna-braço vazam à fora pelo espaço “menos in”, é quase um deslize, é quase o início de outro trabalho. In não é inovador, a não ser quando trás tanta honestidade a cena. Ao fugir dos estigmas do “belo”, e brincar com possibilidades do corpo nu mover-se em um espaço tão restrito, a beleza emerge em tom plástico, um corpo-escultura que tem temperatura, cheiro, cabelos, poros arrepiados. O público não encontra-se em um lugar “out”, pois há além de tudo um espaço-cubo também para quem presencia, numa escada abarrotada de pessoas também contorcidas, apertadas e se esforçando para assistir a performance. Assim o público sai do lugar confortável de experienciar “o show” sentado e “fora de cena”, para se envolver com cada respiração e transição. Ver In, é estar In.

Por Carolina De Nadai

AND_introduction [João Fiadeiro & Fernanda Eugénio]

2011-09-11T06:22:00.000-07:00

Dos modos de re-existência: Um outro mundo possível, a secalharidade - Assim inicia-se o texto “manifesto” que sustenta e enquadra o projeto AND_Lab de João Fiadeiro e Fernanda Eugénio. Ainda busco, no jogo de palavras que na interação se reconstroem e pluralizam significados, entender ‘secalharidade’...

O projeto AND_Lab trata de propor uma investigação artística e uma criatividade científica (usando as palavras dos próprio autores), o que acho de uma ousadia importante e necessária para a construção de realidades em dança, performance, ou alguma outra arte do corpo ou não, afinal a dicotomia é algo instaurado em nossos corpos, o exercício é desorganizá-la,de modo a fazê-la perder o sentido.

Tive ontem (10/set) a experiência na aula inaugural deste projeto, e, ao que parece João Fiadeiro não propõe esta cisão: arte X ciência, mas de outro modo, articula com consciência essas duas realidades que são de fato possibilidades de produção que podem e devem estar em contínua interação.

Tanto na construção da arte em materialização de ‘obra’, quanto em materialização de pesquisa científica passamos por situações que: “O caso não é impedir que as coisas aconteçam, mas como lidar com o que “é” e “está” (J.F.). E aí sim, a partir de como as coisas se organizam vê-se as resultantes emergirem.

Por Carolina De Nadai

DANÇA DESIGN

2011-07-04T08:34:00.001-07:00

Artigo publicado em 2009 na Revista Mosaico, da Faculdade de Artes do Paraná:

http://www.fap.pr.gov.br/arquivos/File/mosaico2/2_artigo_Carolina_de_Nadai_n_2.pdf

Crítica ao Roda Viva: Volta Heródoto!

2011-06-20T19:45:00.000-07:00

Programa?

Roda viva

Assunto?

Dentre tantas questões, pude sacar um fluxo de discussões acerca da ‘Obesidade’.

Entrevistado?

Alfredo Halpern, médico endocrinologista

Entrevistadores?

Marília Gabriela e “colaboradores”, na entrevista de hoje poderíamos chamá-los de ATRAPALHADORES...

Uma cocha de retalhos mal alinhavada, um cruzamento de perguntas que não cresciam em tom rizomático, mas davam nós no entrevistado. Assim foi o desENROLAR da entrevista de hoje (como de algumas outras, que não vem ao caso agora).

Um tanto agradável ouvir Alfredo Halpern abordar com coerência e paciência os temas polêmicos sobre medicamentos anfetamínicos e o uso devido ou indevido, tal como a legalidade dos mesmos. Portanto, a condução da entrevista estava demasiadamente agressiva, a ponto do próprio entrevistado diversas vezes pedir calma e solicitar que deixassem-no terminar uma frase, uma explicação, por eles próprios questionada.

O telespectador parecia assistir a um jogo de final de copa Brasil X Argentina, torcendo por um segundo de fala do entrevistado... Aí Gol, aprendia-se algo.

Uma pena. Uma grande pena. Nos tempos de Heródoto não se desligava a TV antes do fim de uma entrevista.

Uma foto pode ser uma performance?

2011-06-15T06:29:00.000-07:00

Black Swan

2011-06-01T18:51:00.000-07:00

Tenho escutado muito sobre o filme Black Swan, dirigido por Darren Aronofsky. O filme Cisne Negro, na nossa tradução, foi lançado no Brasil em fevereiro de 2011, mas ainda parece provocar certo furor nos espectadores.
Demorei um tanto pra assistir, desanimada pela crítica de meus colegas que também trabalham com dança. Há algumas semanas porém, estava falando sobre a dança de repertório clássico com algumas alunas e não pude deixar de ver, então baixei o filme e o assisti. De cara devo dizer que foi um filme bem dirigido, e também bem interpretado, porém...
O que percebo é uma visão ainda extremamente romântica acerca da ideia da bailarina clássica. É como se de fato a ‘ciranda da bailarina’, de Chico Buarque, fosse a pura realidade, como se não houvesse metáfora em “só a bailarina que não têm”...A forte imagem da bailarina está atrelada a ideia que a sociedade criou desta bailarina: límpida, frágil, virgem e perfeita.

Um colega pintor esteve em casa e comentou que ficou assustado com a loucura da protagonista de Black Swan...e me perguntou: - Isso não é exagero?

Bem, se lembrarmos de Gelsey Kirkland, só pra citar uma bailarina famosa que expôs sua vida em uma biografia (hoje em dia esgotada na editora, só se encontra em alguns sebos) chamada “Dançando em meu túmulo” ...não, não é exagero: a piração, a bulemia a confusão nas relações afetivas, tudo isso é real, e tudo parece estar relacionado à busca pela perfeição desses corpos.

Com o intuito de serem 'perfeitos' esses corpos comportam-se cheios de julgamentos, e aí mais uma vez, vem à tona a dicotomia ocidental definindo em polaridades opostas o que é: bom ou mau; negro ou branco; feio ou belo; certo ou errado, justo ou injusto, e por aí a fora...

O que percebi ao assistir Black Swan é que não há nenhuma preocupação ou objetivo em tratar da dança, ou melhor, daquele que dança como um ser normal, dançar não é encarado como uma profissão comum...Há a necessidade da construção de heróis e figuras tão lúdicas como aquelas dos antigos libretos russos. Assim vejo estas ideias enrustidas nas coreografias de Petipás e na música de Tchaikovsky.
Que fique claro que a crítica é lançada para além do filme - que precisava de certa ficção e suspense - Ela pretende atingir as lógicas de raciocínios dualistas do mundo, e propôr a reflexão no dia a dia. Quem sabe comecem a perceber que bailarinas tem bigode de groselha e calcinha um pouco velha...

Dança frame a frame

2011-05-30T14:19:00.000-07:00

O corpo é incapaz de não transformar...

Estou em meio a mais um processo criativo em dança. Desta vez conto com a participação de Rafael, meu irmão - estudante de cinema. A ideia consiste em produzir um videodança com a técnica de stop motion, a partir de fotografias contínuas dos movimentos corporais, objetos e luzes.

Entre configurações de câmera, tripé, e ensaios fotográficos bem ditos, não há dúvida que o maior tempo gasto foi com a parte técnica da produção: um calço aqui, aumenta uma perna do tripé ali, diminui uma inclinação acolá.

O trabalho é lento e exige cautela, além do que a dança deve ser entendida a partir da ideia do vídeo, do seu contexto e do que sua produção e execução exigem. Para mim um exercício e tanto, pois pensar em dança e pós produção chega a ser engraçado ou sem sentido, já que trata-se de uma arte que constrói seu design enquanto acontece, de modo que não haja meios de editar ‘erros’, corrigir cores ou escolher áudio depois de pronta...A dança é ação em tempo de apresentação.

Neste estudo aprendo a roteirizar ideias em movimentos de dança, a dançar em frames estáticos, a desconstruir e reconstruir possibilidades de movimentos: Posso fazer o reverso por diversas vezes, posso crescer e diminuir, posso deslizar por superfícies e até voar se elas não existirem.

Optamos em utilizar a luz externa do jardim da casa dos nossos pais, tarefa complicada e linda. Ao mesmo tempo que aproveitamos a dança da sombra que é refletida no muro coberto de era, temos horários restritos para captar as imagens e o risco das transformações, já que nem todos os dias são ensolarados e sem nuvens, como foi ontem (domingo).

Nossos horários de fotos se restringem entre 14h e 16:30h, depois disso o muro permanece completamente sob sombra e antes disso as sombras das árvores ainda não estão formadas.

A ideia de criar movimento de dança a partir do corpo é corriqueira para mim; porém criar o movimento, pausá-lo em um frame fotográfico e em seguida recriar o movimento a partir da sequencia dessas imagens, desorganiza e reorganiza modos de se pensar dança e de se produzir dança já experenciados pelo e no meu corpo.

Uma dança quase pausa, se transforma em aceleração.
Erros sequenciados são movimentos coreográficos.
A informação é a diferença.
O corpo é informação.

Suspiros em 'O mundo mágico de Escher'

2011-05-18T20:50:00.000-07:00

De dentro do cubo, de fora da imagem, na fronteira dos pensamentos desenhados sobre pedras, papéis ou nas litogravuras, Escher me fez hoje sorrir, refletir e interagir com sua arte.

Passeei pelas ruas de Amsterdã, vi peixes e aves e já nem sei mais quem voava ou nadava, vi a Itália em tom oriental, subi e desci tantas escadas, passei por tantos orifícios...que tive o prazer de me encontrar a deriva por diversas vezes pelos 4 pisos de exposição.

Há tempos não desfrutava de uma arte tão honesta e rica, Escher é capaz de combinar criatividade e perícia, e de nos fazer suspirar, encantados. A exposição não podia ter nome melhor, pois adentramos mesmo ao “Mundo Mágico de Escher” assim que nos deparamos com a primeira instalação...

Nesta foto está meu irmão do lado esquerdo com 1.76m e eu do lado direito com 1.58m

E aqui, invertemos a brincadeira

Mas esta exposição também me fez 'suar', pois não há como passar despercebido, na obra do artista, horas a fio, dias e mais dias de trabalho intenso, rigoroso. Na geometria excessivamente matemática e calculada, há um mundo repleto de sensações transbordando, se metamorfoseando, triângulos-pássaros, auto-retratos em esferas, uma vida espelhada em luz e sombra, senti meu corpo dilatar.

Não há o espelhamento daquele que copia...e sim daquele que transforma, que não apresenta outro ponto de vista, mas uma infinidade deles !

Parabéns a Curadoria [de Pieter Tjabbes] sensível que combinou um espaço tão interativo com a obra de Escher. Me sentia em metalinguagem, vendo a obra de dentro da obra...escadas dentro e fora....até fazer diluir a dicotomia dentro e fora ...Era tudo uma única, grande e grandiosa obra!

Parabéns também aos artistas responsáveis pela concepção das instalações: Marcos Muzzi e Luis Felipe Abbud; quais captaram e reproduziram com primor a criação de Escher.

Carolina Camargo De Nadai

Que seja a missão de muitos!

2011-05-15T15:39:00.000-07:00

“Eu acredito que fazer arte é muito precioso; quanto mais boa arte há no mundo, melhor é o mundo. Então minha missão será criar tanto quanto for possível. Vamos inundar a terra com arte.”

Marina Abramovic

Sobre bodes pincelados e passos dançados

2011-04-27T07:47:00.000-07:00

Esta manhã caminhava com meu pai rumo à padaria enquanto refletíamos algumas composições artísticas...

Num recente quadro a óleo ele pintou 2 bodezinhos muito simpáticos, que observam as tripas de um terceiro bode um plano a frente. Pensei que a simplicidade e delicadeza dos bodes frente àquela vista estrebuchada de outro animal revela agressividade e até certo nojo. Mesmo que a carne esteja, digamos, organizada com uma plasticidade que não se vê fora do óleo sobre a tela. Encontremos,talvez, poesia similar na Feira de São Joaquim (Salvador-BA), porém com um cheiro muito mais forte daquele que imagem do quadro pode exalar.

Mas o caso da nossa reflexão era o quão o cotidiano, o simples, o tosco torna-se espetacularmente bonito e como pode ser diferente e exótico...basta deslocá-lo de um contexto comum.

Pensando nisso “Tem Chi”, de Pina Bausch, entrou na conversa. Certamente porque este trabalho esteve recentemente aqui em São Paulo e ainda é fresca a sensação de um olhar alemão para o Japão, dançado com tanta honestidade, simplicidade e humor.

Lembro-me com muita força de uma cena em que uma bailarina entrava às gargalhadas com um enorme nabo japonês nas mãos, como uma criança que se encanta com o inesperado, com o novo...diferente. Mas de outro modo esta diferença foi construída a partir da percepção clara de contextos díspares. A beleza e sutileza do humor exalados, por aqueles que compartilharam da criação deste trabalho, teve energia infantil emaranhada de percepção madura. Nem é preciso dizer que a cena se repetiu com tantas outras verduras e que a cada vez, parecia a primeira. A tal repetição que só faz é transformar...

Escrevo hoje aqui para parabenizar os artistas capazes de fazer o mais simples e o mais difícil. Olhar para nosso cotidiano com olhos de espetáculo, mas simplesmente porque ele é... e principalmente por não espetacularizarem nada...nada...

PROCESSOS ORGANIZATIVOS EM DANÇA: A singularidade dos designs

2011-03-13T14:03:00.000-07:00

A ABA- Associação Brasileira de Aquarela e Arte Sobre Papel publicou em seu blog algumas ilustrações da dissertação de mestrado de Carolina De Nadai, criadas por Eduardo Nadai;
para conferir clique no link a baixo:

http://abaaquarela.blogspot.com/2011/03/aquarela-e-danca-pai-e-filha.html

Co-grafia on line

2010-12-03T11:20:00.000-08:00

No trânsito, a construção do espaço. No espaço, a construção do trânsito. Trajetos, olhares, linhas: contínuos e compartilhados. Co-Grafia são corpos e espaços propondo arquiteturas a partir da ideia de aproximação e afastamento.

Para assistir o trabalho acesse:

http://www.vimeo.com/17347769

Versões com Cuqui Jerez e Cristina Blanco

2010-11-17T07:20:00.001-08:00

Nos dias 11 e 12 de novembro, últimas quinta e sexta-feira, Cuqui Jerez e Cristina Blanco estavam em São Paulo com a oficina 'Versões' dentro da programação do Festival Contemporâneo de Dança. Antes de decidir me inscrever me deparei com as propostas de todos artistas presentes no Festival e (embora quisesse estar presente em todas...) ao ler o resumo da oficina de Cuqui e Cristina tive um impulso imediato de que deveria fazê-la.

O texto dizia:

“A oficina constituirá em uma prática de criação e investigação com base no conceito de versão e, portanto de variação. A partir de ações, textos, cenas de filmes e imagens, o trabalho focará em como traduzir estes originais para outras linguagens, meios e formatos. Será uma busca de possíveis ferramentas para criar novas versões. Um exercício de observação sobre como a linguagem se transforma ao criar uma nova realidade e qual a relação que se produz com a memória do material inicia.”

Encantada com a clareza e simplicidade da proposta e enviei meu currículo e carta de intenção ao festival. Confirmada minha aceitação, fui a São Paulo experimentar o que seriam estas tais versões. E a aplicação estava em total acordo com a descrição anterior.

Dada em 2 dias e cada um com 5 horas de duração, a oficina passou como um vento ligeiro. O desejo da exploração mais profunda dos conceitos de versão e variação parecem ainda latentes no corpo, vejo um vídeo, uma dança, uma palavra uma metáfora... e quero explorar uma possibilidade de versão! Cada pequena e simples ideia sugerida pelas artistas era capaz de gerar horas de experimento.

Fiquei extremamente contente com a coerência de Cuqui e Cristina ao estarem muito certas primeiro do que propunham, segundo do que aplicaram na oficina e em terceiro do trabalho que apresentaram no fim de semana “The Croquis Reloaded”. Ao participar do processo todo, podia ver o desdobramento das informações e acompanhar o pensamento das performers.

Uma versão tem variação

uma versão permite nos reconhecer o original

uma versão é um modo de reorganizar uma ideia já existente

uma versão pode deslocar a linguagem da versão original

mas, uma versão, não varia o suficiente para se transformar em outra coisa

Tão simples e tão difícil

Por Carolina Nadai

Quasar, quase aí

2010-11-01T09:28:00.000-07:00

Dias 06 e 07 de novembro no Teatro Alfa
Sábado, 21h - domingo, 18h
Ingressos de 40,00 à 60,00 reais

Informações: ver site do Teatro Alfa
http://www.teatroalfa.com.br/esp_ver.asp?id=139&tipo=

Misha passou pelo Teatro Alfa - São Paulo

2010-11-01T09:23:00.000-07:00

Em russo, Михаил Николаевич Барышников, para nós Mikhail Nikolaévich Baryshnikov e aos íntimos Misha. Aos 62 anos o bailarino dançou nos dias 19 e 20 deste mês ao lado de Ana Laguna e também apresentou 2 solos. Com muito prazer revi o solo Years latter (feito em 2007 e revisado em 2009), e que depois de 2 anos está ainda mais maduro e contemporâeno. Dentre todos trabalhos apresentados - Valse-Fantasi (coreografado por Alexei Ratmansky e dançado por Baryshnikov), Solo for two (coreografado por Mats Ek e dançado por Ana Laguna, com participação de Baryshnikov), Years later (coreografado por Beijamin Millepied e dançado por Baryshnikov) e o duo Place (coreografado por Mats Ek e dançado por Baryshnikov e Laguna) - Years later se mostra diferente, uma proposta bem humorada e irônica que não parece partir apenas de um coreógrafo, mas de uma relação íntima do bailarino hoje com sua imagem de anos atrás. O mais impressionante é sutileza com que a diferença técnica de um Barysh jovem com um Barysh maduro só fez deixar a pausa, o movimento mais lento, e a relação construida com a imagem ainda mais virtuosos que as infinitas piruetas consecutivas, antes costumeiras...

PROCESSO IN DANÇA - Curitiba-PR

2010-10-31T10:04:00.000-07:00

Programação PROCESSO IN DANÇA

2010-10-31T10:01:00.000-07:00

Galeria de Arte Nadai

2010-10-31T09:55:00.001-07:00

Corrente Cutural em Curitiba

2010-10-28T11:27:00.000-07:00

O co-grafar

2010-10-18T08:05:00.000-07:00

Quando uma dança acontece, acordos entre as partes dançantes constroem imagens, designs ininterruptos se formam no ambiente...quem vê também é uma parte dançante e co-grafa essas imagens em seu corpo e no corpo que vê dançar.

Co-Grafia

2010-09-27T09:13:00.000-07:00

Procura-se Elenita Queiroz

2010-07-10T10:54:00.000-07:00

O GRUPO DAS EXCARAVEHAS se apresentou nesta sexta-feira, dia 9 de julho no Teatro Ralino Zamboto em Itatiba-SP. Contempladas pelo Prêmio Funarte de Dança Klauss Vianna vemos mais uma produção de dança circulando pelo interior paulista. É muito importante que a dança, ainda mais a dita dança contemporânea, seja divulgada e que se instaure a necessidade de arte para a formação de público, ainda mais em uma cidade como Itatiba que até pouco tempo não tinha um espaço específico dedicado a esse tipo de apresentação, ou seja, um teatro adequado.
Com fachada cômica, lemos o anúncio: “Procura-se Elenita Queiroz II”, título do espetáculo. Sem saber de quem se trata Elenita e do que se trata a proposta artística, nos deparamos com uma figura de costas ao público de figurino rubro sentada por entre balas que não para de comer. Outra bailarina adentra cantarolando uma marchinha de carnaval, e enfim outras três intérpretes surgem em meio a narrativa de uma história que ouvimos e identificamos uma relação com a ação dessas intérpretes.
A proposta se apresenta como dança contemporânea, porém no decorrer da obra vemos a construção de uma narrativa que se assemelha ao teatro, em termos de apresentação. Quando em dança objetiva-se organizar enunciados corporais que sustentem as proposições de cada corpo, de cada grupo. Porque a dança é um fazer artístico, que possui na ação do corpo um modo de dizer específico. Deste modo o trabalho “Procura-se Elenita Queiroz II” toma uma forma que se confunde com outro tipo de arte cênica que não somente a dança.
A estética da obra compõe uma cena próxima à dança moderna, dança criada nos últimos anos do século dezenove e primeiros do vinte, que possui caráter expressionista e valoriza o gesto significativo. Por outro lado, sem o tom pesado da técnica moderna, pós-guerra, tendem ao pós-moderno pincelando humor. Ícones como as botas pretas calçadas pelas dançarinas impõe ao espectador uma referência do jazz americano, e assim vemos a dança contemporânea de as Excaravelhas se organizar em um misto de informações corporais diferentes.
A dança contemporânea é livre de técnicas específicas, ela se utiliza de toda e qualquer informação necessária ao corpo para se solucionar problemas de criação, e assim produzir o que é de sua competência: enunciados corporais que se materializam em dança. Esse trabalho, entretanto, apresenta deslizes quando soluções cômicas ou informações importantes ao fluxo do quebra-cabeça da peça são solucionadas por um letreiro luminoso ou um texto em forma de fala e não em forma de movimento corporal.
Essa crítica pretende valorizar a produção da arte, mais em específico da dança, e parabenizar o público interessado em participar assistindo, comentando e questionando essa produção. Porém é importante perceber que tipo de produção vem sendo construída por grupos que são financiados por uma política pública injusta como a de editais culturais, inclusive editais importantes como o Klauss Vianna (Funarte). Nesse tipo de produção os artistas tendem a estarem sujeitos à projetos, prazos e exigências, e nem sempre dão continuidade a uma proposta, mas se trata de uma dança concebida com uma velocidade talvez não assimilada pelo corpo. E se estamos falando de dança, qual o sentido em o corpo não estar afinado a todo contexto?

*Carolina Camargo De Nadai

ESPETÁCULO REDIMUINHO - CRÍTICA

2009-10-06T04:35:00.001-07:00

Redimundo, o segundo espetáculo do Festival do Teatro Brasileiro - cena baiana, reflete sobre as manifestações populares através do corpo sertanejo e sua relação com o outro e a natureza
Elisa Parente
elisa@opovo.com.br
28 Set 2009 - 02h10min

Os corpos são cobertos de terra e poeira, a pele se desfaz com o sol. Corpos quase nus, que trazem o sertão dentro de si (Guimarães Rosa), o sertão que é exalado pelos poros. Corpos que tomam proporções ora delicadas e sutis, ora sobrehumanas, animalescas ou espectrais que ao longo da apresentação atraem, distraem, repelem e encantam o espectador. O espetáculo Redimundo, do Grupo Estado Dramático (BA), traz na dramaticidade física dos atores Maurício Assunção (este também diretor e roteirista) e Patrícia Caetano um traço da paisagem de um sertão universal, deslocado temporal e territorialmente, carregado de uma natureza mítica e cheia de significações. Parte da programação do Festival do Teatro Brasileiro - Cena Baiana, Redimundo teve exibição nas últimas quinta, 24, e sexta-feira, 25, no teatro do SESC SENAC Iracema. Partindo de uma pesquisa cênica que traz o corpo-sonoro como principal elemento da dramaturgia, o grupo introduziu trechos das obras Grande Sertão: Veredas e Sagarana, de Guimarães Rosa e Missão de Pesquisas Folclóricas, de Mario de Andrade, no espetáculo.

Redimunho é um emaranhado de sentimentos, é o pulsar da vida e da natureza que provoca o deslocamento do homem de si, como um vento em redemoinho. São as figuras do vaqueiro e da mulher, do boi enfurecido e da cobra que serpenteia à espera do bote. É a pequenez do homem diante da grandiosidade da natureza. Em meio a tudo, os personagens entoam canções de apego religioso, seja para evocar os deuses ou os demônios. A dramaturgia, desvinculada do texto narrativo oral, vem expressa nos movimentos, na pele do sertanejo que não é analfabeto para ler e escutar a natureza, seja ela na escassez ou na fartura. E aí, dependendo de um caso ou de outro, a resposta do corpo varia. Ele se contorce, paralisa, sai de si nessa ausência da água que simboliza a vida. E com a sua abundância, encontra forças para se unir e brotar outro ser. Bonita a cena em que o homem e a mulher vão do ato físico ao nascimento de uma criança; cena cheia de simbolismos e numa atemporalidade envolta pelos movimentos da dança.

Neste trabalho, a dramaticidade escorre por entre a oralidade e a fisicalidade da expressão daqueles corpos. Os atores experimentam situações extra-cotidianas, extremamente naturalistas e animalescas, mas que nos momentos certos se preenche de calmaria, fluidez, amor e erotismo. É desse entrelace, também, que os corpos adquirem, das mais variadas formas, a representação de um boi, que é ao mesmo tempo alimento, transporte e companhia do homem do sertão. Das formas mais simples, com as mãos formando os chifres, aos dois atores entrançados formando uma grande figura, o animal é personagem representativo. E desta forma, numa constante metamorfose, o corpo vai sustentando o discurso. Ao final, a cena volta ao ponto de início. É o tempo circular do sertão fechando essa narrativa. Para iniciar outra.

ENTREVISTA: JACQUES RANCIÈRE 08/07/07

2009-09-07T07:25:00.000-07:00

Retirado de http://brigadasinternacionais.blogspot.com/2007/07/entrevista-jacques-rancire-080707.html

Em nome do dissenso, filósofo francês redefine termos e conceitos na arte e na política.Professor emérito do Departamento de Filosofia da Universidade Paris VIII, Jacques Rancière é autor de A partilha do sensível, livro recentemente lançado pela Editora 34 no Brasil. Com agudeza e "oportuna" impertinência, o filósofo francês analisa e redefine termos e conceitos, dialoga com as manifestações da arte e com o que se pensa sobre ela.

Como refletir sobre o fenômeno do "politicamente correto"?Deve-se utilizar com prudência essa noção de "politicamente correto", que serve um pouco facilmente demais como recusa para desqualificar tudo que se opõe ao consenso dominante. A reivindicação de "correção" está ligada a um aspecto efetivamente essencial do qual a noção de partilha do sensível pretende dar conta: as formas da dominação – de classe, de raça, de sexo – são, a princípio, formas inscritas na paisagem do cotidiano, na maneira de descrever o que se vê, de dar nomes às coisas. O perigo, a partir daí, é praticar uma simples operação cosmética sobre as formas da dominação: camuflar a realidade da dominação sob a representação de um universo de pequenas diferenças no qual cada identidade é provida de seu reconhecimento, seus direitos próprios; fazer reinar, por meio de uma linguagem eufêmica, uma outra forma de consenso.

O revisionismo é uma evidência da dimensão política da escrita? O revisionismo não pode, evidentemente, ser reduzido a uma questão do que é escrito. Há diversos revisionismos, nutridos por argumentos teóricos e paixões diversas. Mas ele tem, incontestavelmente, uma dimensão "escritural". O coração da demonstração revisionista é sempre uma estratégia discursiva que consiste em esmigalhar um evento – a revolução francesa, o genocídio nazista, entre outros – numa profusão de fatos para constatar, em contrapartida, que, somados uns aos outros, não faz nunca a lógica de um encadeamento rigoroso a partir de uma causa primeira até às últimas conseqüências. Ora, esta lógica da cadeia interminável está, de fato, ligada ao regime de escrita próprio ao regime estético. "A besteira é querer concluir": a frase de Flaubert resume uma certa moral da escrita e mostra a ligação dessa moral com toda uma série de implicações políticas, dentre elas o revisionismo.
As palavras, assim como a arte, podem ser revolucionárias?
As palavras têm um poder de ruptura. Elas embaralham a evidência segundo a qual as coisas seriam simplesmente o que elas são. Esse poder de ruptura tem múltiplos usos e, notadamente, permite a constituição de coletivos políticos unidos pela vontade de explorar o significado de palavras como liberdade ou igualdade. Isso quer dizer que não há palavras revolucionárias por si sós. O mesmo acontece com a arte. Saber se ela deve ou não ser engajada é uma questão vazia de sentido. A arte sempre faz política. O regime estético da arte é atravessado pelo projeto de uma arte que realiza suas potencialidades essenciais ultrapassando a sim mesma, criando, como diz Malevitch, não quadros, mas sim formas de vida. A revolução estética não somente se ligou à revolução social, como também lhe forneceu modelos. O que se passou na Rússia soviética não foi o confronto entre a política e a arte, foi o confronto entre uma política da arte revolucionária, criadora de formas de vida, e a visão estática da arte como ilustração da revolução social.

O senhor usa os termos política e polícia, mas não a palavra poder. Por quê ? Não me ocupo do poder como conjunto de dispositivos e técnicas de dominação. O que me interessa é a configuração do comum no seio da qual esses dispositivos e técnicas se inscrevem. Política e polícia são dois modos antagônicos dessa configuração. A polícia não é, para mim, o poder sobre os corpos, e sim a configuração da comunidade como totalidade orgânica, definida de maneira exaustiva por suas funções, seus lugares e suas identidades. A política, ao contrário, é a configuração da comunidade que abre essa totalidade, que faz intervir sujeitos suplementares que não são partes do corposocial, mas formas de subjetivação de um litígio. Pensar em termos de poder ou de tecnologias de poder é esquecer o espaço próprio da política como configuração conflituosa do comum da comunidade.

A democracia nunca passou de uma promessa, um sonho?
Deve-se inverter essa proposição. A democracia e a igualdade não são sonhos. Não são metas a atingir. São potencialidades que só ganham realidade se são atualizadas aqui e agora. A democracia é, seguramente, um sonho se alguém espera que, a partir dos próprios textos que declaram homens e mulheres iguais em direito, a igualdade se torne realidade. Ela deixa de ser um sonho quando mulheres e homens provam sua igualdade, sua competência igual para se ocupar das coisas comuns. Em outras palavras, a democracia não é nunca assimilável a uma forma de governo nem a uma forma de sociedade. Todo governo é oligárquico. Ele tende sempre a privatizar, em seu proveito, a esfera dos negócios comuns. A democracia não se trata de uma promessa, e sim de uma realidade que existe através dos atos sempre precários que a constroem. Para quem ainda não conhece sua obra, por qual livro se deve iniciar?Eu me sentiria tentado a responder recorrendo ao próprio princípio da emancipação intelectual, tal como ele foi desenvolvido em meu livro O mestre ignorante: pode-se começar por qualquer parte; não há iniciação por graus, não há uma via real pedagógica. Escrevi, aparentemente, sobre os assuntos mais diversos: a emancipação operária e a poesia de Mallarmé, a teoria política e a fábula cinematográfica, o discurso da história e a revolução estética. E o fiz segundo modos muito diversos de escrita, do estilo narrativo (A noite dos proletários ou Courts voyages au pays du peuple) ao estilo argumentativo (O desentendimento, Malaise dans l’esthétique), porque a constante do meu trabalho é romper com a separação das disciplinas e a hierarquia dos gêneros a fim de colocar em evidência a partilha do sensível, a maneira como a filosofia ou a literatura, a estética ou a história constitui seu discurso. Pode-se, portanto, começar por onde se queira, de acordo com o próprio interesse: estético ou político, pedagógico ou literário.

Dança das formas e afetos

2009-08-21T16:05:00.000-07:00

Por Cristiane Wosniak

A dança contemporânea, nascida no século 20, a partir das perguntas e não necessariamente das respostas, perde, em um intervalo de um mês, dois de seus mais notáveis ícones: a alemã Pina Bausch (em 30 de junho) e o norte-americano Merce Cunningham (em 27 de julho)

A história da dança, a exemplo do que acontece com outras linguagens, é fortemente mar cada por contínuas rupturas. A uma estética ou proposta sucede-se outra e, às vezes, de forma tão diferenciada que aos espectadores cabe sempre a pergunta: mas isso é dança?

Existem momentos nos quais o simples exercício da pergunta é mais importante do que as respostas, em que a dança transcende a realidade. A matéria ordinária da vida, dos gestos cotidianos, se deixa ver por fora e por dentro: significados e sentimentos, formas e afetos viram traduções um do outro.

Tanto Bausch quanto Cun ningham propuseram e instigaram o “alargamento das fronteiras” entre as artes, voltando-se mais à pesquisa e experimentação da dança, como linguagem e “pensamento do corpo”. Entretanto, muitas diferenças existem entre os dois criadores, no que se refere aos processos e aos modos de organização do corpo em movimento na cena.

Pina Bausch estava interessada no que move as pessoas e não em como elas se movem. Nas relações afetivas entre o homem e a mulher. Cunningham, por sua vez, definia dança como “mo vimento no tempo e no espaço”. Interessavam-lhe as relações formais, sem hierarquia espacial, entre os corpos em movimento.

O que unia estes artistas, porém, pode ser descrito a partir de algumas ideias inerentes à dança contemporânea: o rompimento com as estruturas clássicas; o fato de não existir uma técnica específica no preparo corporal, nem um corpo ideal; a preocupação com o trânsito entre as diferentes linguagens; o recurso da improvisação na geração de sequências e encadeamento de movimentos; e levar o público a pensar, a participar do processo de leitura da obra, sempre aberta.

Trajetória dela

Algumas considerações acerca da trajetória destes criadores. Se, por um lado, o formalismo se desenvolveu mais entre os americanos, a linguagem se desenvolveu mais sugestivamente (e este movimento não foi unilateral) da relação com o teatro. Deste encontro, que não é uma soma, é uma fusão, surge a dança-teatro.

Pina Bausch, sinônimo de dança-teatro, nasceu em Solingen, em 27 de julho de 1940, e iniciou seus estudos em dança na Folkwangschule, sob orientação de Kurt Jooss. Em 1959, premiada com uma bolsa de estudos, vai para Nova York estudar na Julliard School, passando a integrar importantes companhias de dança. Em 1962, ao retornar à Alemanha, atua como primeira bailarina do recém fundado Folkwang-Bal lets. Quando mais tarde, foi contratada como chefe do Depar tamento de Dança do Ballet de Wuppertal, Bausch redefiniria o nome da companhia e de seu futuro estilo coreográfico: nascia o Tanztheater Wuppertal – o teatro de dança de Wuppertal. Mas, no que consiste esta modalidade?

A dança-teatro não se utiliza de regras, códigos nem poses pré-determinadas. Os movimentos não são inventados: são extraídos do dia a dia, do cotidiano. Não há uma lógica de narrativa: a ação é formada por episódios conectados pelo estado de espírito e pela colagem e repetição de ações e diálogos. Cada obra coreográfica se faz por meio de laboratórios de improvisação onde os intérpretes respondem corporalmente a “perguntas”, que podem ser tanto descritivas (O que você viu na rua?) como pessoais (Do que você tem medo? O que lhe dá prazer?) ou abstratas (felicidade, solidão, morte). As “respostas” faladas e corporalizadas podem ou não ser aproveitadas.

Bausch selecionava gestos e alterava-lhes a configuração, construindo as sequências, os episódios e a obra em si. Embora o ponto de partida seja a improvisação, na cena, não há espaço para tal: tudo é rigorosamente organizado e o tempo da ação não é entregue ao acaso. A música é agregada à obra posteriormente. Todo o tipo de música.

O ambiente de atuação é sempre um componente inusitado: o palco por vezes é coberto de terra, água, folhas secas, grama, flores, demonstrando como Bausch trabalhava com o alargamento de fronteiras. Vale ressaltar a sua atuação em obras de importantes cineastas: Almo dóvar (Fale Com Ela) e Fellini (E La Nave Va).

Destacam-se suas coreografias: A Sagração da Primavera (1975), Barba-Azul (1977), Café Muller (1978), Árias (1979), Bandoneón (1980), Cravos (1982), Mazurca Fogo (1998), Pradaria (2000).

Trajetória dele

Ao romper com o matriarcado característico da dança moderna, Merce Cunningham tornou-se o grande inovador desta linguagem, na segunda metade do século 20.

Cercado dos mais influentes artistas da contemporaneidade, como Jasper Johns, Marcel Du champs, Andy Wharol, Max Ernst, Frank Stella, Robert Rauschemberg, Nam June Paik e John Cage, imprimiu à dança a interação interdisciplinar no mesmo espaço-tempo, sem que uma linguagem fosse dependente ou desse suporte à outra. Introduziu o conceito de acaso e aleatoriedade na dança, chegando, até mesmo, a sortear as sequências minutos antes de os bailarinos entrarem em cena, nas obras que denominava “events”.

Nascido em Centrália, Washin gton, em 1919, iniciou-se na dança em Seattle, no Cornish School. Foi solista de Martha Graham (1939-1945), mas logo afirmou a originalidade de seu trabalho num trabalho solo com o compositor John Cage, em 1944, iniciando sua trajetória polêmica.

Nos anos 30 a 40, uma instituição americana, o Black Mountain College, na Carolina do Norte, tornava-se o centro de experimentação, produção e difusão de novas ideias sobre arte. Cage e Cunningham entraram em contato neste local com diversos artistas, o que acabou por definir o aspecto interdisciplinar de sua dança. Em 1953, cria a Merce Cunningham Dance Company, ativa até hoje.

Na década de 50, Cun ningham começou a utilizar os procedimentos de “acaso” nas composições, após ter lido o I-Ching e se tornando adepto do zen-budismo. Já que o movimento e o som eram independentes, Cun nin gham sempre usava como leitmotiv o movimento em si mesmo, deixando de lado a preocupação com o conteúdo e a narrativa. Tudo o que existia eram corpos se movendo no tempo e no espaço: sem personagens, sem caracterização, sem emoção.

Com a finalidade de encontrar novas maneiras (matemáticas) de se mover, as operações de acaso e simultaneidade foram levadas para o corpo dos bailarinos: ao jogar moedas ou dados, estabelecia-se um movimento para a cabeça, independente do torso, depois braços e pernas, compondo, assim, sequências aleatórias.

Nos anos 60, se iniciam suas experimentações com a videodança em parcerias com Charles Atlas e com Nam June Paik. A partir dos anos 80 e 90, utiliza os recursos tecnológicos, como o LifeForms (software de animação da figura humana em três dimensões), permitindo a ampliação de suas possibilidades combinatórias de movimentos. Dentre suas obras, destacam-se: Points in Space (1986) e Beach Birds for Camera (1991).

Legado

A dança contemporânea, em sua pluralidade de caminhos, deve muito às inovações e trânsitos entre as fronteiras artísticas, propostos por Merce Cunningham e Pina Bausch. Nem sempre compreendidos, foram, entretanto, propositores e executores de ideias originais e controversas.

Pode-se afirmar que, juntos, envolveram em seu fluxo incessante artistas e plateia, jamais deixando de desafiar-nos com seus experimentos e descobertas. O mundo da dança, portanto, rende homenagem a dois artistas que fizeram da dança um ato essencial do pensamento de seu tempo.

Cristiane Wosniak é mestre em Comunicação e Linguagens, historiadora e pesquisadora de dança.

Artigo retirado da Gazeta do Povo on line: http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/cadernog/conteudo.phtml?tl=1&id=911723&tit=Danca-das-formas-e-afetos

Primeiro Passo SESC Pompéia

2009-08-21T15:54:00.000-07:00

Debate mediado por Helena Katz, crítica de dança do jornal O Estado de São Paulo. Debatedor convidado: Marcello Castilho Avellar, crítico de artes no jornal Estado de Minas

Inérpretes: Carolina De Nadai com DES e Manuela Afonso com Um conto de um ponto de tempo.

DES - Primeiro Passo SESC Pompéia

2009-08-21T11:04:00.000-07:00

DES - Primeiro Passo SESC Pompéia

2009-08-20T12:31:00.000-07:00

Foto de Eduardo De Nadai

19 de agosto de 2009

DES - Primeiro Passo SESC Pompéia

2009-08-20T12:19:00.000-07:00

Foto de Eduardo De Nadai
19 de agosto de 2009

DES - Primeiro Passo SESC Pompéia

2009-08-20T12:10:00.000-07:00

Foto de Eduardo De Nadai

19 de Agosto de 2009

Sobre DES

2009-08-17T08:00:00.000-07:00

DES é uma pesquisa que vem sendo desenvolvida a partir das investigações do conceito de design – entendendo que a dança já é um design e que se atualiza processo evolutivo – que se dá por imagens, movimentos. Discute a comunicação da dança contemporânea com outras linguagens – tais como a tecnologia e as artes visuais. A composição coreográfica propõe a leitura de imagens do corpo e no corpo quais se configuram no formato de um solo junto a projeções. O corpo dialoga com as formas, alterando-as e refletindo-as e deslocando-as.

O trabalho foi contemplado pela Fundação Cultural de Curitiba-PR no Programa de pesquisa em Dança contemporânea da Casa Hoffmann - Centro de Estudos do Movimento e contou com a orientação e colaboração de Rosemeri Rocha e Olga Nenevê, além de toda equipe e colegas da Casa Hoffmann que estavam sempre presentes nas mostras de processos e ensaios.

Carolina De Nadai

Espetáculo DES no SESC Pompéia - SP

2009-07-24T08:53:00.000-07:00

Criação e intrepretação: Carolina De Nadai

Dia 19 de agosto as 21hs

Acesse o link do SESC para maiores informações

http://www.sescsp.org.br/sesc/programa_new/busca.cfm?unidade_id=11&data2=19/08/2009&atividade_id=4&buscar_curso=0&buscar_sesc_tv=0&palavra=&x=36&y=0

Samambaia - Prima da Monalisa

2009-07-07T10:26:00.000-07:00

Em temporada de 25/06 a 05 /07, Samambaia - Prima da Monalisa criado e interpretado por Gladis Tridapalli, deixou pinceladas e sementes de humor e crítica aos que presenciaram o solo contemplado pelo programa de Bolsas de estímulo à criação Artística da Funarte.
A simplicidade da idéia somada a uma pesquisa que acontece de fato no corpo, com sinceridade em sua exploração de teoria e prática, como uma coisa só. A própria intérprete assume “sim. Samambaia – Prima da Monalisa vem do Attraverso, meu trabalho solo anterior”, no intuito de explorar o estado de pausa, até então pouco utilizado, e entendê-lo como uma permanência sempre em movimento.
E realmente vemos a permanência. No corpo. Que permanece estático, numa simultânea turbulenta ação. A todo o tempo parece que vamos ouvir a bailarina dizer algo por meio de palavras... Mas não se passa de um engano nosso, quando percebemos seu corpo é o próprio verbo, é a própria samambaia e com o mesmo cinismo que há no sorriso da Monalisa.
A dança é envolvente e chegamos a compartilhar da sensação de ser “Samambaia-Monalisa” junto com a intérprete. Por um momento ela nos dá instruções para nos acomodarmos, mesmo sentados na platéia, em uma postura que envolve e dilata todo o corpo, principalmente a face. Neste momento, é como se pudéssemos nos observarmos de fora... E assim, poderíamos rir de nossas próprias caras.
Simples, envolvente, criativo, movimento, permanência, ação. DANÇA!

Por Carolina C. De Nadai

A Sagração da Primavera - Pina Bausch -

2009-06-07T12:09:00.001-07:00

Café Müller – Pina Bausch –

2009-06-07T12:05:00.000-07:00

Pina Bausch e Juliette Binoche chegam ao Brasil no 2º semestre

2009-06-07T12:02:00.000-07:00

retirado da folha on line

ADRIANA PAVLOVA - Colaboração para a Folha

A mestra maior do teatro-dança no mundo já tem data marcada para voltar ao Brasil. Depois de três anos, Pina Bausch e sua companhia retornam aos palcos paulistanos em setembro, com um programa que promete ser histórico.
A coreógrafa alemã apresentará duas obras fundamentais de sua profícua carreira artística: "Café Müller", peça de 1978, e sua versão para "A Sagração da Primavera", de 1975, com música de Igor Stravinsky.
Divulgação
Pina Bausch, que trará "Café Müller" e "A Sagração da Primavera"
Trata-se do mesmo programa que Bausch e seu grupo de Wuppertal apresentaram no Brasil em 1980, na primeira turnê da companhia ao país, despertando amores e ódios de um público pouco acostumado com a cena contemporânea.
Um dos que tiveram a chance de assistir ao espetáculo, o empresário e produtor Emilio Kalil --que desde os anos 90 tem sido o responsável pelas vindas de Bausch ao Brasil-- acalentava há décadas o sonho de repetir aqui aquele programa emblemático. Depois de anos de negociações, enfim, Bausch concordou.
A companhia alemã esteve pela última vez aqui em 2006, com "Para as Crianças de Ontem, Hoje e Amanhã".
"Aquele espetáculo de 1980 foi um divisor de águas na minha vida e também na vida de muita gente que o viu, daí o sonho de voltar apresentá-lo", diz Kalil, que foi o produtor da montagem "Água", criada pela coreógrafa em 2001, com inspiração no Brasil.
"Esta combinação de coreografias é muito difícil, porque, enquanto 'Café Müller' é feito com apenas seis bailarinos, na 'Sagração da Primavera' a companhia, que normalmente tem cerca de 20 bailarinos, tem de chegar a quase 50. Logisticamente é um desafio", conta Kalil, que não sabe se o espetáculo irá ao Rio, por causa da obra do Teatro Municipal.
Pas-de-deux
Efe
Atriz francesa Juliette Binoche fará um pas-de-deux com o coreógrafo inglês Akram Khan
Depois de Pina Bausch, Kalil tira de seu saco de surpresas um outro programa de teatro-dança. Em dezembro, no mesmo teatro Alfa que receberá a companhia alemã, é a vez de uma dupla insólita dançar: a francesa Juliette Binoche, dona de um Oscar de melhor atriz coadjuvante por "O Paciente Inglês", faz um duo com o coreógrafo e bailarino inglês Akram Khan.
A coreografia "In-I", que tem cenários do premiado artista plástico Anish Kapoor, estreou em setembro passado no National Theatre, em Londres, já esteve na Ásia e em Paris e, antes de chegar ao Brasil, passará pelo Brooklyn Academy em Nova York.
"É um pas-de-deux com duração de uma hora e dez minutos que mostra as relações de um casal e, para a grande surpresa do público, Binoche, que nunca tinha dançado antes, se sai muito bem", garante Kalil.
"No começo, lembrando sempre que Binoche é antes de mais nada uma atriz, ela lê o texto que serviu de laboratório para a criação da coreografia."
Conhecido por mesclar dança indiana tradicional com dança contemporânea, Khan já coreografou a popstar australiana Kylie Minogue e a bailarina francesa Sylvie Guillem.

Steve Johnson descreve como sistemas complexos se organizam sem hierarquia

2009-05-04T08:16:00.001-07:00

Folha on line

Sexta-feira, 03 de abril de 2009

ALEXANDRE MATIAS
da Folha de S.Paulo

Indeciso sobre o assunto de seu livro ("Estava entre a ciência do cérebro e a história do urbanismo"), o escritor Steven Johnson ganhou um mesmo livro sobre mapas de cidades antigas de duas pessoas diferentes. A coincidência chamou ainda mais atenção quando se deparou com a imagem do mapa de Hamburgo, na Alemanha, em 1850, "que parecia demais o cérebro humano".

"Quando o vi, pensei instantaneamente: talvez deva fazer um livro que pudesse ser cidades e cérebros", conta Johnson, explicando seu "Emergência - A Dinâmica em Rede em Formigas, Cérebros, Cidades e Softwares". "Não estava certo de qual conexão era aquela, mas tinha uma forte sensação que havia algo muito rico nisso", diz.

E como havia. Pelo segundo livro de Johnson, assistimos a pesquisadores de áreas tão diferentes quanto biologia, urbanismo, neurologia e eletrônica descobrindo, maravilhados, que sistemas complexos como formigueiros, cidades e o cérebro humano se auto-organizam sem que haja líder ou plano pré-definido. Em busca da "ciência da auto-organização", Johnson traça paralelos entre a história das cidades, o comportamento de fungos, a inteligência artificial, o mercado de seda em Florença, as colônias de formigas e o site Slashdot.org.

Ele descreve o fenômeno que batiza o livro, que observa pequenos indivíduos em atividades simples guiarem, inconscientemente, o comportamento macro de coletivos formados por esses seres, sejam formigas ou softwares de reconhecimento de padrão.

Assim, descobre que a natureza não trabalha com líderes e descreve o conflito entre a lógica vigente e a emergência como sendo o contraponto entre sistemas "top-down" (de cima para baixo, em que todos obedecem a hierarquias) e "bottom-up" (de baixo para cima).

Traçando paralelos e buscando novos padrões, Johnson passa por campos científicos novíssimos e completamente alienígenas para o leitor médio, como biomatemática, morfogênese e ciência da complexidade. Mas seu grande trunfo é mastigar esses bichos-de-sete-cabeças em uma linguagem agradável e texto fluido, citando pelo caminho referências pop, como o game "The Sims" ou a história da computação.

Formado em semiótica e literatura inglesa, Johnson também é autor do livro "A Cultura da Interface" e foi editor da festejada revista online sobre comportamento eletrônico "Feed", que encerrou suas atividades em 2001 e ameaça "voltar à rede na forma de arquivo dia desses".

Folha - O que é "emergência"?
Steve Johnson - "Emergência" é o que acontece quando várias entidades independentes de baixo nível conseguem criar uma organização de alto nível sem ter estratégia ou autoridade centralizada. Você pode perceber esse comportamento em várias escalas: na forma como colônias de formigas lidam com o complexo gerenciamento de tarefas sem que haja uma única formiga no comando; na forma como bairros se formam sem um planejador urbano.

Folha - Essa conexão sutil entre vários níveis de organização já era algo de que você já suspeitava ou houve algum tipo de "revelação"?

Johnson - É uma história engraçada. Vinha tentando decidir sobre o que escrever em meu próximo livro e estava entre a ciência do cérebro e a história do urbanismo. Não conseguia decidir qual dos tópicos era mais interessante. Por coincidência, ganhei duas cópias de um livro maravilhoso, cheio de mapas de cidades antigas, uma do meu pai e outra de meu melhor amigo --e esse livro tinha um mapa de Hamburgo que parecia demais o cérebro humano. Quando o vi, pensei instantaneamente que devia fazer um livro que pudesse ser cidades e cérebros. Não estava certo de qual conexão era aquela, mas tinha uma forte sensação de que havia algo muito rico nisso.

Folha - Como nosso comportamento reage ao surgimento do pensamento coletivo consciente?Johnson - Bem, nós gostamos de impor os velhos modelos centralizados a sistemas descentralizados --por ser um pouco mais confortável, acho. Por exemplo, uma das lições do 11 de Setembro foi a elasticidade essencial de sistemas descentralizados, como as cidades. Uma das coisas mais impressionantes foi que Manhattan levou um golpe inacreditável na região mais próxima de ser um centro e, a 20 quarteirões dali, a cidade funcionava perfeitamente, no próprio dia do ataque.As pessoas observaram essa elasticidade e queriam explicá-la usando linguagem centralizada, por isso todos disseram como o prefeito tinha sido tão inspirador. Mas realmente inspiradora era a estrutura descentralizada de uma cidade grande --foi isso que tornou a recuperação possível.

Folha - Você lista Engels, Darwin, Adam Smith e Alan Turing como pensadores de uma ciência que não existia em seu tempo (a ciência da auto-organização). Poderia citar outros nomes mais recentes?
Johnson - Eu incluiria alguns teóricos de rede, como Steven Strogatz --autor de um novo livro, "Sync"-- e Duncan Watts, que escreveu "Six Degrees: The Science of a Connected Age" ("Seis Graus: A Ciência da Era Conectada"). E as pessoas que, como Stuart Kauffman e John Holland, desenvolveram a teoria da complexidade nos anos 70 e 80.

VI COLÓQUIO FRANCO-BRASILEIRO DE ESTÉTICA

2009-05-04T08:16:00.000-07:00

O SENSÍVEL CONTEMPORÂNEO

01 A 05 DE JUNHO DE 2009 . AUDITÓRIO DA REITORIA . UFBA

Prorrogadas para 15 de maio as inscrições para apresentação de comunicações em GTs (Grupos de Trabalhos)
O VI Colóquio sedimenta e amadurece as pesquisas realizadas desde o ano de 2002 e estreita as relações entre o Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da UFBA e a Universidade de Paris 8 através da troca de conhecimentos e intercâmbios de professores, da participação de pesquisadores, artistas e da comunidade, trazendo para a academia os saberes do cotidiano popular como forma de refletir novas analogias para a pesquisa científica nas artes, na história, na filosofia e na educação.
Objetivo geral: Solidificar as ligações entre os pesquisadores franceses, brasileiros e latino-americanos e ampliar o grupo RETINA-Brasil para âmbito de RETINA América Latina. Dar visibilidade à produção de conhecimento desenvolvido por pesquisadores, objetivando o amadurecimento do caráter sensível contemporâneo na produção artística e científica. Período: de 01/06/2009 até 05/06/2009 Equipe Técnica:Presidência Internacional Grupo RETINA - Recherches Esthétiques & Théorétiques sur Images Nouvelles & Anciennes: François Soulages Presidência RETINA América Latina: Alberto de Carvalho Olivieri Coordenação do VI Colóquio: Ricardo Barreto Biriba e Alberto de Carvalho Olivieri Colaboração: Ariadne Moraes Presidente da Comissão Científica: Alberto de Carvalho Olivieri Coordenação de GTs (Grupos de Trabalho): Ariadne Moraes Coordenação de Mini-Cursos: José Antonio de Carneiro Leão Coordenação Cultural: Amélia Vitória de Souza Conrado Coordenação de Programação Visual: Marcos Rodrigues Website: Erica Ribeiro de Andrade Público alvo: Professores, Pesquisadores, Estudantes de Artes e Artistas Inscrições: de 02/03/2009 até 29/05/2009 Investimento de 02/03/2009 até 29/05/2009: Estudante: R$ 50,00 Profissional: R$ 80,00 No ato do credenciamento (01/06/2009): R$120,00 para profissionais e R$70,00 para estudantes Local: Auditório da Reitoria da UFBA

RETIRADO DO SITE: http://www.vicoloquiofrbr.eba.ufba.br/

Novas regras da língua portuguesa

2009-01-06T13:07:00.000-08:00

Após viver alguns anos sem um dicionário de língua portuguesa (a não ser versões on line), comprei uma Aurélio ano passado. O que eu não sabia é que ele já deveria estar em promoção porque o português - em evolução - já estava se transformando para equalizar cada vez mais "os portugueses" falados em todo mundo...
Preciso agora adiquirir outro! :)

Aí vão algumas dicas das regras de português que foram alteradas. O Presidente Lula assinou o decreto sobre a unificação da Língua Portuguesa, com novas regras de ortografia que passarão a valer a partir de 2009, mas até dezembro de 2012 ainda serão aceitas as regras antigas em vestibulares, concursos, meios de comunicação...A mudança será apenas na forma de escrever, não alterando em nada a concordância, regência, pronúncia...

As Novas Regras da Língua Portuguesa são:

HÍFEN
Não se usará mais:
1. quando o segundo elemento começa com s ou r, devendo estas consoantes ser duplicadas, como em "antirreligioso", "antissemita", "contrarregra", "infrassom". Exceção: será mantido o hífen quando os prefixos terminam com r - ou seja, "hiper-", "inter-" e "super-"- como em "hiper-requintado", "inter-resistente" e "super-revista"2. quando o prefixo termina em vogal e o segundo elemento começa com uma vogal diferente. Exemplos: "extraescolar", "aeroespacial", "autoestrada"

TREMA
Deixará de existir, a não ser em nomes próprios e seus derivados
Exemplos:Conseqüência => ConsequênciaSeqüência => Sequência

ACENTO DIFERENCIAL
Não se usará mais para diferenciar:
1. "pára" (flexão do verbo parar) de "para" (preposição)
2. "péla" (flexão do verbo pelar) de "pela" (combinação da preposição com o artigo)
3. "pólo" (substantivo) de "polo" (combinação antiga e popular de "por" e "lo")
4. "pélo" (flexão do verbo pelar), "pêlo" (substantivo) e "pelo" (combinação da preposição com o artigo)
5. "pêra" (substantivo - fruta), "péra" (substantivo arcaico - pedra) e "pera" (preposição arcaica)

ALFABETO
Passará a ter 26 letras, ao incorporar as letras "k", "w" e "y"

ACENTO CIRCUNFLEXO
Não se usará mais:
1. nas terceiras pessoas do plural do presente do indicativo ou do subjuntivo dos verbos "crer", "dar", "ler", "ver" e seus derivados. A grafia correta será "creem", "deem", "leem" e "veem"
2. em palavras terminados em hiato "oo", como "enjôo" ou "vôo" -que se tornam "enjoo" e "voo"

ACENTO AGUDO
Não se usará mais:
1. nos ditongos abertos "ei" e "oi" de palavras paroxítonas, como "assembléia", "idéia", "heróica" e "jibóia"
2. nas palavras paroxítonas, com "i" e "u" tônicos, quando precedidos de ditongo. Exemplos: "feiúra" e "baiúca" passam a ser grafadas "feiura" e "baiuca"3. nas formas verbais que têm o acento tônico na raiz, com "u" tônico precedido de "g" ou "q" e seguido de "e" ou "i". Com isso, algumas poucas formas de verbos, como averigúe (averiguar), apazigúe (apaziguar) e argúem (arg(ü/u)ir), passam a ser grafadas averigue, apazigue, arguem

GRAFIA No português lusitano:
1. desaparecerão o "c" e o "p" de palavras em que essas letras não são pronunciadas, como "acção", "acto", "adopção", "óptimo" -que se tornam "ação", "ato", "adoção" e "ótimo"
2. será eliminado o "h" de palavras como "herva" e "húmido", que serão grafadas como no Brasil -"erva" e "úmido"

Fonte: Folha de São Paulo E http://www.hypelandia.com/2008/09/conhea-as-novas-regras-da-lngua.html

Carolina C. De Nadai

mostra dos formandos em dança-fap 2008

2008-11-21T08:26:00.000-08:00

ENTRADA FRANCA

28 e 29 de novembro às 20h Casa Hoffmann-Centro de Estudos do Movimento (Rua Claudino dos Santos, 58, Largo da Ordem)

02 e 03 de dezembro às 20h Teatro José Maria Santos (Rua Treze de Maio, 655, Centro)

Arte Gráfica:
Carolina De Nadai
Emanuela Kalil

PROGRAMAÇÃO - mostra dos formandos em dança-fap 2008

2008-11-21T07:57:00.001-08:00

Sim - Ações Integradas de Consentimento para Ocupação e Resistência

2008-10-30T16:38:00.000-07:00

Por Carolina Camargo De Nadai

A Mostra SESC de Artes 08 trouxe o projeto “Sim - Ações Integradas de Consentimento para Ocupação e Resistência” idealizado pelo grupo Cena 11 (Brasil) em um trabalho colaborativo com o Impure Company (Noruega). Esta ponte entre as duas companhias gerou a formação de um novo grupo (temporário) que se mostrou, sim, integrando ações!

Dirigido e coreografado por Alejandro Ahmed e Hooman Sharifi e tendo a co-produção o Festival Panorama de Dança, o trabalho passeou além da Mostra do SESC SP por outras cidades brasileiras. A união destas duas linguagens em diversos solos construiu uma unidade entre os bailarinos e por vezes uma confusão, para o público, em relação à técnica. Pois, bailarinos de um grupo corporalizaram o comportamento do outro, em meio a vocabulários diversos, e vice e versa. Assim, quem não conhece cada companhia e seus respectivos intérpretes, se confunde tranquilamente na apreciação destas “inter-execuções”.

O ambiente escolhido – na apresentação do SESC SP – foi acolhedor, próximo e paradoxalmente, tenso. Já que não se deu em um teatro convencional, com poltronas distantes propondo uma separação entre público e platéia. O espaço-tempo entre os solos dos bailarinos se torna por vezes desconfortável e angustiante além de despertar curiosidade. Nunca se sabe o que irá acontecer entre esses espaços, mesmo que a partir de um momento, a lógica começa a aparecer, ainda assim há dúvida se será outro solo que veremos ou será uma outra coisa. De um modo muito intrigante, o óbvio, se torna nesta cena, o novo.

Vejo “ações integradas” em cada partícula da proposta; vejo o público como uma ação integrada; que por pouco não entra e dança o seu solo naquele espaço de tempo em que se angustia a espera da próxima ação. Vejo uma queda diferente no Cena 11, com movimentos espirais e em uma velocidade menor; ou então, só um gostinho do diferente e do calmo, para nos pegar de surpresa e chocar seios, tronco e membros ao chão, quando menos se espera. As integrações estão no abrir das janelas, no adentrar da sonoplastia urbana, nos diretores manipulando a luz ao lado do público, estão ocupando todos espaços do ambiente em que a proposta acontece.

No fragmento, a integração...

2008-10-26T06:47:00.000-07:00

O espetáculo Umwelt – Ambiente – da Cia. Maguy Marin veio ao Brasil este mês. Passando pelo Ceará, Minas Gerais, São Paulo e Rio de Janeiro a companhia desacompanhada da diretora e coreógrafa vem dando sua aparição nesta obra prima! Na apresentação que presenciei neste sábado, dia 25 de outubro, o Sesc Pinheiros – SP propôs um bate-papo aberto ao final da apresentação. Seis franceses, uma brasileira, uma portuguesa e um chileno eram os nove numerosos integrantes da peça.
A idéia da estruturação coreográfica vem, dentre outras coisas, da composição da escrita de Beckett. Pois a capacidade do escritor gerar todas as variações possíveis a partir de um texto feito com economia de meios era interessante para a construção de Umwelt, como já disse Maguy Marin em entrevista, e assim reafirmaram ontem seus bailarinos no bate-papo; deixaram claro, em ambos casos que a obra não é sobre Beckett.
O significado de Unwelt vai além da idéia de ambiente como meio ambiente, ou a natureza sendo algo externo ao homem. Em Unwelt tudo é ambiente: homem, o vento incessante, as guitarras ensurdecedoras, cada elemento cênico utilizado, os espaços entre público e cena... Tudo, cada fragmento cotidiano das ações humanas presenciadas, que revelam, o “quase” e a eterna e ansiosa completude nunca evidenciada são puramente integrados.
A individualidade das cenas é também o conjunto. O grupo, que nos dá a sensação de multidão, se estabelece nas diversas possibilidades de aparições por entre as placas espelhadas do cenário. E cada gesto casual é milimetricamente coreografado. O cenário – assim como os bailarinos – também gera infinitas possibilidades, sendo ao mesmo tempo: portas, closeds, janelas, faixas de pedestre, o trabalho, a casa, o passeio, o comércio, o público, a intimidade, a cidade, Unwelt enfim!
A sensação de infinitas possibilidades está na relação espaço-temporal da peça. A angústia que essa relação cíclica de um eterno recomeço provoca – mesmo que em cenas banais do dia a dia – e em um tempo mais lento que o normal gera muita tensão. Noções da sociedade como a regra e a ordem são capazes de causar o caos. A medida em que os bailarinos vão descartando os objetos já utilizados, como alimentos, pedras, bebês de plástico, etc, à frente do palco, mais um elemento se integra ao ambiente, o lixo. O lixo ali não é somente produzido pelo homem, mas também é o homem.
Os deslocamentos, apenas horizontais, seguem a estrutura do dispositivo (à frente dianteira do palco) de um cabo que se desenrola e atravessa o palco horizontalmente passando por 3 guitarras (à frente sinistra do palco). O som provocado rememora a música do mar, um mar urbano e confuso na alienação do cotidiano.
Unwelt angustia o público, revela a com muita elegância a mesmice humana e o desejo pela “dança-entreteriemento” de muitos. Nos põe a refletir dentre a uma plasticidade cinematográfica que poucos sabem fazer. É tenso, é duro, é chocante, é pesado e está exposto, para quem quiser compreender na integração dos frangmentos humanos, no corpo de bailarinos a arte e a realidade.

Por Carolina Camargo De Nadai

Impure Company ''rouba'' sua dança pelo mundo afora

2008-10-20T16:05:00.000-07:00

ENTREVISTA RETIRADA DO ESTADAO.COM.BR Quarta-Feira, 15 de Outubro de 2008 | Versão Impressa

Helena Katz

Alejandro Ahmed e Hooman Sharifi, os diretores das duas companhias, falaram na terça-feira passada ao Estado sobre a residência que iniciaram em Florianópolis no dia 22 de setembro, e que produzirá esta Ação 01: Cartas de Amor/No Project. Segue um pequeno trecho daquela longa conversa de cerca de 3 horas.

Parece que há algo que diferencia o encontro de vocês.

Alejandro Ahmed - Assisti ao solo do Hooman no Panorama de Dança Contemporânea de 2001, no Rio de Janeiro, e imediatamente reconheci, na sua antidança, vários pontos de convergência com as preocupações que movem o Cena 11. Na ocasião, ainda não sabia que trabalhávamos com metodologias distintas.

Hooman Sharifi - Não conheço nenhum dos espetáculos do Cena 11. O que nos move não é nenhum acordo em torno de interesses estéticos comuns. Estou aqui justamente para entender melhor o que torna possível um encontro. É uma investigação sobre a amizade, mas também a possibilidade de encontrar uma voz que me faça as perguntas que não estão me fazendo.

Como isso se revela no dia a dia?

Ahmed - Olhe os dois nomes dos nossos projetos. Nós estamos dizendo sim, escolhemos a afirmação para título, e eles elegeram o não, com o No Project deles. Mas veja um exemplo prático: estamos fazendo exercícios com pedras e, para nós, o que interessa é evidenciar a co-autoria entre homem e pedra na questão do movimento. Hooman identifica, em um plano de importância, o significado da relação homem-pedra, e diz que fazemos da pedra outra coisa. Nós insistimos que a pedra continua sendo pedra. Além de discussões desse tipo, somos também dois tipos de existentes distintos. Ele pratica uma espécie de totalitarismo anarquista e eu, algo como um totalitarismo democrático. No Cena 11, a liberdade dos bailarinos busca convergência. Na Impure, parece que a liberdade é uma decisão de cada um.

Sharifi - Essas são questões muito complexas e que muito me interessam. Eu me ocupo em clarear as relações de trabalho na Impure. Sou o líder, sou quem paga os salários, a voz mais alta, em quem os bailarinos mais prestam atenção. Mas também somos os melhores amigos. Há quem esteja há 12 anos junto, mas não o tempo todo, pois funcionamos de 6 a 8 meses do ano e, no resto do tempo, os bailarinos trabalham com outros coreógrafos, em outros sistemas, como free lancers, para sobreviver. É claro que essa circunstância modifica tudo entre nós, tanto nossos interesses estéticos quanto os modos de nos relacionarmos. Sou o único que vive os 12 meses do dinheiro da Impure, que vem do Arts Council da Noruega. Mas demorei três anos para entender que se não fosse assim, a companhia não poderia existir.

Ao que o Cena 11 está dizendo sim?

Ahmed - Estamos aprendendo estratégias de dizer sim como consentimento e nos perguntando sobre qual é o poder da vítima para chegar à nossa futura criação, Cartas de Amor ao Inimigo, que deve estrear em 2010 e inclui uma videodança, a ocupação de palcos não convencionais para que a dança possa ser vista de perto, e uma reflexão sobre qual é o papel da platéia. Vamos fazer workshop de platéia e audição de platéia. Vamos desenvolver metodologias próprias para isso.

Ao que a Impure diz não?

Sharifi - À não-originalidade, ao não-pertencimento, às formas de colaboração baseadas na economia e não na necessidade, à não-transparência da falência da política em tantos países, mas especialmente à não-ideologia. Não estamos banindo a ética, mas propondo que se busque pelos valores naquilo que está diante de nós. Para conseguir isso, é muito importante desenvolver métodos de trabalho. Mas dizemos sim à mobilidade, não à mobilidade do passaporte.

Como vocês vêm o trabalho que estão desenvolvendo?

Ahmed - Vejo o Cena 11 como um espaço de formação no qual buscamos desenvolver ferramentas para a auto-organização. Disponibilizar a informação para todos é central para que possamos não repetir o que já sabemos. Queremos quebrar as regras que vamos montando para continuar a avançar. Vejo também a importância política em manter uma companhia do tamanho do Cena 11 em um país como o Brasil, onde não há garantia alguma de sobrevivência para trabalhos como o nosso. Penso também na necessidade de abrir espaço para o bailarino produzir, mas me pergunto o que exatamente isso significa quando continua existindo alguém com a voz de comando.

Sharifi - Há dois anos estou tentando abrir mais espaço para os bailarinos, buscando não estar todo o tempo presente, impondo um excesso de informação que talvez seja mais do meu interesse que do deles. Mas, quando me retiro, preciso aprender a negociar o espaço que passa a ser ocupado pelo outro. Para isso, me parece que se precisa descobrir algo fora da relação de envolvimento. Se você sabe onde está, você pode se mover. Por isso, os bailarinos precisam ter uma compreensão muito clara de cada imagem que estão produzindo no palco, bem como uma clareza do clichê da imagem do nosso grupo.

E como vocês vêem o que está acontecendo aqui?

Ahmed - São ampliações de estratégias e métodos. Temos idéias diferentes sobre coreografia, nossas guerrilhas começam em pontos diferentes, mas é a busca da compatibilidade possível que move esse projeto. Me interessa o que ele descarta, pois isso me ajuda a entender o que incluo.

Sharifi - Tenho interesse em conhecer como se trabalha em outras economias e em investigar como se estabelecem as políticas de relacionamento. Voltar ao Brasil, por exemplo, é uma escolha nossa, pois poderíamos fazer uma outra turnê. Quando fomos a Kosovo, e me perguntaram a razão de estar lá, fui claro. Respondi que tinha ido para roubar. Isso mesmo, para roubar, porque era muito importante para mim que eles soubessem que tinham algo que eu não tinha e que esse algo me interessava.

http://www.estadao.com.br/estadaodehoje/20081015/not_imp260115,0.php

Ultima Vez

2008-10-19T10:42:00.000-07:00

O espetáculo Spiegel (2006) – Espelho – da companhia “Ultima Vez”, que tem como diretor e coreógrafo o belga Wim Vandekeybus, foi apresentado no Sesc Pinheiros em São Paulo durante a Mostra de Artes 8 neste fim de semana. Em um bate-papo na tarde de sábado, Wim Vandekeybus se disponibilizou a conversar sobre seu trabalho e a responder possíveis perguntas da platéia. Mostrou se extremamente acessível e com prazer em compartilhar de seu trabalho com o público brasileiro.
A dança expressiva e liberta dos bailarinos é surpreendente! A qualidade dos movimentos e a clareza das escolhas na proposta deixaram o público extasiado, alegre, com medo, tenso e ao mesmo tempo seguro de que não haveriam acidentes em cena. O espetáculo inicia-se lento e com certo estranhamento, mas de repente a dinâmica se altera e começam as surpreendentes ações dentro desta peça maravilhosa.
Ao final de aproximadamente 1hora e 35 minutos, queremos mais! Porém paradoxalmente, o final se dá na hora certa, assim como cada simples ou complexa escolha coreográfica, de iluminação ou cênica. A capacidade de compor uma naturalidade humana, que de fato nem sempre existe, nos leva além do palco, nos leva termos a sensação de estarmos frente às telas de cinema...Porém é tudo real, em tempo real e sem edição!

Por Carolina Camargo De Nadai

Quatro Mestres e um Prospósito

2008-10-09T11:06:00.000-07:00

RETIRADO DA REVISTA BRAVO (B!)

Umwelt Gantet/ Divulgação

Cena de Umwelt, que a Cia. Maguy Marin apresenta no Brasil. Entre espelhos, bailarinos repetem ações corriqueiras do dia-a-dia

Revista BRAVO! | Outubro/2008

Quatro Mestres e um Prospósito

Coreografias de Maguy Marin, Wim Vandekeybus, William Forsythe e Jiri Kylian chegam ao país neste mês. Cada um a sua maneira, eles mostramo potencial de renovação da dança contemporânea

Ana Francisca Ponzio

Reinventar sempre. Mesmo entre os expoentes da dança, esse é um desafio difícil de vencer. O coreógrafo francês Maurice Béjart (1927-2007), por exemplo, não conseguiu manter o vigor criativo até o fim da carreira. No entanto, ícones de sua produção, como Sagração da Primavera, permanecem, assim como o mito construído em torno da imagem do coreógrafo. A alemã Pina Bausch também se mantém acima do bem e do mal, mas hoje decepciona com peças como Bamboo Blues, que se perde em supérflua visão da Índia. Felizmente, a renovação e a vitalidade seguem na maior parte da produção de quatro coreógrafos que têm obras apresentadas no Brasil neste mês: a francesa Maguy Marin, que está na programação de festivais de dança no país; o belga Wim Vandekeybus, que marca presença na Mostra de Artes do Sesc de São Paulo; e o americano William Forsythe e o tcheco Jiri Kylian, que integram o programa que o Ballet da Ópera de Lyon apresenta na capital paulista.

"Não sei o que se passa com artistas que começam a se repetir, depois de terem sido muito fortes, ricos e criativos. Temo esse perigo, mas tento escapar dele ao iniciar uma nova criação como se estivesse penetrando numa terra estrangeira, sem me servir do instrumental utilizado na obra anterior", diz Maguy Marin a BRAVO!. Nascida em 1951, ela foi da companhia de dança de Béjart no início da década de 1970. Em 1981, firmou-se como coreógrafa ao criar MayB. Nessa obra-prima inspirada na literatura do irlandês Samuel Beckett, ela desmistificava a beleza ideal dos corpos dançantes por meio de personagens grotescos, que interrogavam o sentido da existência coletiva a partir dos estados íntimos de cada um.

Em Umwelt ("ambiente"), que seu grupo traz para o Brasil, Maguy recorreu novamente a Beckett e, mais uma vez, foi saudada como a autora de uma obra-prima. "Acho que MayB tem uma relação muito mais intuitiva com o universo de Beckett. Já em Umwelt, foi a composição de sua escrita que me serviu de base, a capacidade de esse escritor gerar todas as variações possíveis a partir de um texto feito com economia de meios", afirma a coreógrafa. Umwelt não reúne os personagens fantasmagóricos de MayB, que remetiam a uma imagem arcaica da humanidade. Encarnando pessoas comuns do dia-a-dia atual, os bailarinos surgem e desaparecem em meio a espelhos. Em uma sucessão de seqüências curtas, eles repetem ações corriqueiras, como acordar, tomar café, almoçar, limpar o chão. "É como se o mundo fosse uma série de variações sobre a mesma coisa", explica Maguy. "Trata-se de uma peça que não apresenta um movimento dançado, como em outras criações que fiz."

A nível de vocabulário e a nível de comportamento

2008-10-09T07:48:00.000-07:00

Este blog, como qualquer outro, é um espaço para diálogos. Neste caso, o objetivo é abordar relações da dança contemporânea, assim como da dança da contemporaneidade.
Considerando que nós – corpo – possuímos um vocabulário de movimentos e que Comportamento diferencia-se de vocabulário – pois o primeiro trata da forma do homem proceder, agir, experienciar e pensar o mundo no mundo e um pensamento pode ser representado por inúmeros vocabulários –; pode-se afirmar então que se voz também é corpo, ao nos expressarmos verbalmente, também revelamos vocabulários e comportamentos.
Construímos ao longo de nossas vidas estes comportamentos simultaneamente: voz e movimento, a partir de inúmeros vocabulários... E se por acaso nos utilizamos de vocabulários inadequados, passamos então a nos expressar também equivocadamente.
A nível de...
Segundo AURÉLIO, nível é um:

“Substantivo masculino.
1.Instrumento para determinar a horizontalidade dum plano.
2.Superfície paralela ao plano do horizonte.
3.Altura relativa numa escala de valores.
4.Situação, estado. [Pl.: –veis.]”

Temos também as expressões A NÍVEL DE e AO NÍVEL DE; que por suas vezes, são BEM diferentes! O autor Joffre M. de Rezende nos clareia dizendo que

“Embora de uso generalizado, a locução a nível de é condenada por todos os mestres e estudiosos da língua portuguesa. É tida por modismo que se introduziu na linguagem jornalística e contagiou outros canais de comunicação, inclusive a linguagem médica. A referida locução é utilizada em espanhol, com o deslocamento do acento tônico para a última sílaba – a niv(è)l de. Em francês se diz au niveau de e em inglês on a level with.”
“A nível de” vocabulário, a expressão “a nível de” tornou-se um comportamento. E é irritante ler e ouvir com certa freqüência esta expressão, mais irritante ainda, é estar em ambiente acadêmico, com professores, todos supostamente no mínimo mestres e continuar a ouvir. A não ser que as pessoas estejam discutindo níveis de água, ou terra num curso como geologia, por exemplo.
Para Cegalla, a nível de é uma "locução em voga, porém inútil"; "a legítima locução portuguesa é ao nível de, que significa à mesma altura" e exemplifica: "Era um solo baixo, quase ao nível do mar". A locução ao nível de, portanto, é correta, desde que empregada apropriadamente.
A nível de moda... O a nível também está em alta!

Por Carolina Camargo De Nadai

Referências:
1. CEGALLA, D.P. – Dicionário de dificuldades da língua portuguesa. Rio de Janeiro, Ed. Nova Fronteira, 1996.
2. FERREIRA, Aurélio B. H. – Mini Aurélio, O dicionário de língua portuguesa. Ed. Positivo, Curitiba-PR, 2004.
3. http://usuarios.cultura.com.br/jmrezende/anivel.htm

A semana da mostra acabou...

2008-09-28T16:00:00.000-07:00

Mas foi muito bom enquanto durou! Debates, conversas, dicas, críticas, ensaios, testes e teses... Um espaço-tempo de intercâmbios dançantes! Este ano a mostra da FAP, em um formato de simpósio, mostrou seu amadurecimento. Porém, é importante, e mais que isso, necessário, a participação dos alunos. Fiquei refletindo quando a professora Rosemeri Rocha citou um dos anos em que a mostra foi organizada apenas por alunos... Pensei em como isso seria possível de ocorrer hoje; se todos se interessam tanto pelo dia em que dançam, e tão pouco em partilhar os outros diversos momentos além do seu workshop.
Ouvi críticas em relação a como a “mostra” se “mostra”, pessoas dizendo o quão inacessível ela se organiza ao público em geral. Felizmente, discordo! Pois se dando nas instalações da Casa Hoffmann - ambiente público - ela acontece para todos. Por vezes não vemos uma quantia de pessoas diversas quanto desejamos, mas e os alunos? Ajudam nesta divulgação que lhes é interessante?

Mais do que se pensa, as pessoas que presenciam e participam sem necessariamente serem atuantes na área da dança, são capazes de aceitar, elaborar suas idéias, analisando aquilo que presenciam. É um grande problema se os estudantes de dança estão com maior dificuldade em receber e elaborar crítica, (que sempre acontece para ser construtiva) e a análise, principalmente de suas próprias produções! Pois se até um bêbado que comicamente (até certo ponto) adentrou a Casa Hoffmann, teve condições de expressar suas percepções a cerca do que via; concluo que o exercício da análise-crítica deva ocorrer no âmbito acadêmico com maior naturalidade.

PS* Uma semana tão intensa em carga horária e atividades, que fico triste pelos momentos em que tive que optar pelo que fazer... Não puder participar 100%. A programação de manhã, tarde e noite – qual não estamos acostumados no dia a dia Fapiano – me obrigou a fazer ESCOLHAS!

Por Carolina Camargo De Nadai

DES

2008-09-23T10:40:00.000-07:00

Mostra de Processos na Casa Hoffmann - 05/07/2008
Foto: Marcelo Stammer

DES

2008-09-23T10:35:00.000-07:00

Mostra de Processos na Casa Hoffmann - 05/07/2008
Foto de Marcelo Stammer

DES

2008-09-23T10:28:00.002-07:00

Mostra de Processos na Casa Hoffmann - 05/07/2008
Foto de Marcelo Stammer

DES

2008-09-23T10:20:00.000-07:00

Mostra de Processos na Casa Hoffmann - 05/07/2008
Foto de Marcelo Stammer

DES

2008-09-23T10:14:00.000-07:00

Mostra de Processos na Casa Hoffmann - 05/07/2008
Foto de Marcelo Stammer

I simpósio e IV Mostra de dança da FAP

2008-09-16T18:11:00.000-07:00

OLHAR E FAZER

2008-09-10T19:44:00.000-07:00

A dança é uma atividade que gera relações intersubjetivas entre as pessoas; seu significado não se encontra no movimento, mas sim na relação. Por ser uma atividade de quantidades e sensações imensuráveis e por ser expressiva e comunicativa, a dança torna-se complexa e curiosa. Cientistas tentam desvendar os mistérios da neurociência da dança.
Uma das hipóteses da origem neurológica do prazer em “olhar” a dança está nos neurônios espelhos. “... a dança exige um tipo de coordenação interpessoal no espaço e tempo quase inexistentes em outros contextos sociais.” (BROWN S. e PARSONS L. M. 2008). Os neurônios espelhos estabelecem uma relação de projeção virtual a uma imagem. Segundo os autores do artigo “A neurociência da dança”:

“Áreas cerebrais específicas se tornam ativas preferencialmente quando as pessoas observam passos que já dominavam. Ou seja, será possível que existam áreas cerebrais que se ativam quando dançarinos de balé assistem uma apresentação de balé, mas não, por exemplo, quando assistem uma apresentação de capoeira?”

Carolina Camargo de Nadai

Referência:
-BROWN, S. e PARSONS, L. M. - A neurociência da dança. - IN Scientific American Brasil. Agosto 2008. Número 75. P.66